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Le voci degli artisti: Alessandro Pani (di Andrea Ibba Monni)

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Lo conosco da quando lo chiamavano “Sly” perché se lo guardi bene ha i lineamenti alla Sylvester Stallone (prima del botox): era la metà degli anni ’90, lui era un giovanissimo uomo e io un vecchissimo bambino fratello di sue due amiche dell’epoca. Si avvicinò in quegli anni al mondo del teatro e mai avrei immaginato di rivederlo quasi vent’anni dopo sul set di C.S.I. Cagliari (qui una foto emblematica della collaborazione), web serie che ha scritto e diretto con quel mostro di bravura che è Filippo Salaris col quale dirige la Compagnia Artisti Fuori Posto (e con il link al loro sito e con tutto quest’articolo mando un saluto a chi dice che i teatranti non si supportano a vicenda). Alessandro Pani dovevo intervistarlo per una serie di ragioni che capirete nell’intervista che segue. Buon divertimento!

ANDREA IBBA MONNI: Qual è il primo ricordo che hai di me?

ALESSANDRO PANI: Io mi ricordo di te all’età di 12 anni, possibile? Quando uscivo nello stesso gruppo di amici con tue sorelle: mi ricordo che stavi un po’ per conto tuo e pensavo ti stessimo un po’ sul culo.

No, ero molto molto timido (come ora ma non riuscivo a nasconderlo) e sapevo che ovviamente loro non mi volevano li tra voi!

Qualche volta ricordo di essere anche venuto a casa vostra perché tua mamma aveva preso delle poesie che avevo scritto per farle leggere a un suo amico poeta, Bruno Rombi. Lui aveva letto le mie poesie e mi aveva detto che secondo lui ero gay. Io gli dissi di no, che quelle cose che avevo scritto intendevano dire altro, ma lui si era fermato alla prima interpretazione che gli era venuta in mente e mi disse “non ti devi vergognare“. E io “ma porcaputt… vabbè hai ragione te“. 

Quando tu chiedi a qualcuno di leggere le tue poesie e lui pretende di leggerti la vita. Olè!

Tra l’altro io non sapevo che al tempo tu facessi o ti stessi interessando al teatro, ti ho rincontrato molto tempo dopo ai Cada Die per il concorso Teatro in Corto al quale avevamo partecipato entrambi.

La prima cosa di Ferai che non era ancora Ferai: io, Ga’ e una danzatrice dell’Isola di Pasqua. Avevamo scelto il nome Make Make Teatro perché ci sembrava una goliardata avere il nome di una divinità pasquense raffigurata con un membro enorme. Finché il presentatore non ci annunciò col nome letto all’inglese, che delusione! Comunque che ne è stato di Alessandro Pani il poeta?

Scriveva per combattere la sfiga e l’inadeguatezza. Una volta che ha capito cosa voleva fare, Alessandro il poeta ha smesso di poetare. Adesso scrivo prettamente sceneggiature per teatro e cinema, mi trovo meglio, mi diverto di più. La poesia è troppo struggente. e io ero di quelli Sturm und Drang. Passavo molto tempo a leggere in quel periodo, leggevo circa 70 o 80 libri all’anno. e scrivevo molto, ma lo sfogo nella scrittura in realtà alimentava lati del mio carattere che mi portavano ad essere cupo, di malumore e talvolta rabbioso. E da quartese che ha fatto molta vita di strada da ragazzino avevo anche una certa facilità a venire alle mani. Ah, che ricordi le risse in viale Colombo, ai giardini di Via Cagliari e in via Brigata Sassari!

Perché hai scelto di fare teatro?

Credo di aver sempre saputo di voler fare teatro. So che è brutto da dire, ma ho iniziato con la recita delle medie, in via Tiziano: decisi che da grande avrei fatto quello. Dopo il diploma compravo sempre l’Unione Sarda per trovare una scuola o dei corsi di teatro. All’epoca non c’era internet e le informazioni non le si trovava facilmente e se non conoscevi qualcuno che faceva già un corso o conosceva una compagnia non sapevi come muoverti Trovai un annuncio dell’Akroama e decisi di iscrivermi. Era il 1998. Da lì non ho mai smesso. Purtroppo non potevo permettermi di spendere molto e dovevo comunque lavorare, facevo il programmatore informatico, quindi prima di vivere di questo mestiere è passato tanto tempo. Solo nel 2007 sono riuscito a mollare tutto ed a dedicarmi alla recitazione come professione

Come nasce il progetto Artisti Fuori Posto e come vi siete scelti?

Artisti Fuori Posto nasce formalmente nel 2011 ma in realtà con il buon Sergio Cugusi ne parlavamo già dal 2008 di tirare su una compagnia Eravamo ancora legati al Riverrun, entrambi lavoravamo lì, poi nel 2010 siamo stati gentilmente invitati a farci da parte e ci siamo messi all’opera per tirare su AFP. 

Il terzo giorno

Filippo è arrivato nemmeno un anno dopo, per andare in scena con me nello spettacolo “Il terzo giorno”. Con Filippo ci siamo conosciuti nel 2008, abbiamo frequentato insieme un corso regionale per attori professionisti e uno stage nell’accademia dell’Arte di Arezzo. Abbiamo capito che eravamo sulla stessa linea e sapevamo che avremmo sicuramente fatto delle cose assieme. Infatti ci siamo ritrovati poi nel 2010 ad Olbia per lo spettacolo sulla boxe che si chiamava “Fuori i secondi” dove interpretavamo due pugili che, dopo essere cresciuti insieme come amici e come atleti, si ritrovano alla fine per un match decisivo dove se le danno di santa ragione.

Io lo so bene e ho le mie motivazioni, tu invece perché hai scelto di fare una compagnia da zero invece che provare a lavorare con/per altre realtà già esistenti?

Il nome Artisti Fuori Posto non è una scelta casuale, nasce proprio dal fatto che con gli altri ci siamo sempre sentiti un po’ fuori posto. Sia io, Sergio e Filippo (ma anche gli altri che sono venuto qualche anno dopo Francesca Saba e Piero Murenu) abbiamo sempre avuto qualche difficoltà a sottostare a quelle che erano le scelte artistiche, le abitudini e i comportamenti del mondo del teatro con il quale fino ad allora avevamo avuto a che fare (eccezion fatta per il Riverrun dei primi anni). Io personalmente non tolleravo il fatto che come artisti spesso le compagnie ci pagassero con mesi di ritardo e nessuno dei miei colleghi attori si lamentasse mai. Io ci mettevo sempre la faccia, mettevo in piedi litigi furibondi (da buon quartese) mentre molti dei colleghi attori subivano certe angherie borbottando alle spalle ma sfoderando poi sorrisi smaglianti davanti alle persone che avevano criticato fino a poco prima.

Artisticamente parlando poi avevamo bisogno di fare anche cose che arrivavano da una urgenza personale (quantunque potessero essere anche cazzate, roba demenziale) mentre in molte compagnie ti ritrovavi a dover sottostare ad una agenda di argomenti e tematiche decisa da qualcun altro, spesso dalla politica. e io personalmente avevo altre direzioni da prendere.

Ti va di parlarne di questo ambiente teatrale sardo? Cosa salvi?

Boh personalmente ho visto tante cose belle prodotte qui in Sardegna, ma anche tante cose molto brutte che non avevano la dignità di essere messe in scena neppure sotto un ponte. Credo che spesso ci si ritrovi a dover cercare di arrivare a fine mese, di far fronte alle spese e a rincorrere i soldi e non si abbia il tempo di fermarsi un attimo e pensare a quello che si sta facendo. Molti spettacoli brutti che ho visto erano tra quelli che dovevano rispondere a temi dettati dall’agenda politica del momento e dovevano innanzitutto rispondere a quelle necessità piuttosto che all’urgenza degli artisti. Credo che dovremmo avere tutti noi artisti la possibilità di avere più tempo per i nostri spettacoli, per le nostre creazioni, molte volte le buone idee sono rovinate dalla fretta e dalla mancanza di risorse.

Eppure basterebbe essere buoni artisti per sposare necessità altrui e non svilire l’arte teatrale, no? O si può fare buon teatro solo se si risponde a una propria necessità?

Per come la vedo io una creazione artistica deve rispondere ad una urgenza dell’artista (di qualunque tipo essa sia) che poi spesso tende a convergere in un sentire comune delle persone. L’artista spesso riesce a dare voce e forma a ciò che nelle persone è una sensazione indefinita. poi può anche capitare che una cosa ci sembra un’urgenza ma in realtà dovevamo solo andare in bagno e infatti esce una cagata.

Qual è lo spettacolo di AFP che rifaresti ora e per sempre se dipendesse solo da te?

La nostra opera prima: “Il terzo giorno” (qui il trailer) anzi, appena possibile riprogrammiamo una replica.

Era proprio bello. Come mai quello spettacolo? 

Mi piaceva il discorso che si fa sulle rivoluzioni, sull’idea che abbiamo di andare contro il sistema, di essere dei ribelli e invece il sistema ci riassorbe come se niente fosse. Era un’idea nata dal fatto che durante l’età giovanile che va dalle superiori ai 24 anni capitava di vedere gente, che prima era assolutamente l’emblema della refrattarietà alle regole, diventare modelli di integrazione nel tessuto sociale. Prima tutti stracciati, sesso droga e rock and roll, e poi giacca e cravatta e lavoro sicuro in banca. Sta roba mi faceva uscire di testa!

Qual è e quale sarà il ruolo del laboratorio teatrale a Cagliari nel 2020?

A me piacerebbe trovare il modo per far diventare il laboratorio teatrale davvero ciò che dice la parola stessa: un laboratorio! Dove si lavora e si fa ricerca, per molto più di quello che possono essere i due incontri settimanali (nel migliore dei casi). Purtroppo incontro sempre meno allievi che vogliono fare il mestiere dell’attore, mentre quando ho iniziato io eravamo in tanti e anche molto agguerriti (non tra di noi) e ci siamo conquistati la professione con le unghie e con i denti.

Vorrei invece portarli più ad una dimensione di creazione collettiva. Era molto interessante quelle che avete fatto voi ad esempio in estate: il Baratto Teatrale secondo me è una dimensione molto più utile anche se non sempre è sostenibile economicamente: molte volte si basa tutto sulla disponibilità degli attori e dei docenti, parliamoci chiaro, non tutti sono disponibili a dedicare tutto quel tempo agli altri e molte volte senza un euro in cambio.

Come mai non c’è più la volontà di fare il mestiere dell’attore e soprattutto manca quel senso di lotta?

Molti si arrendono alle prime difficoltà, alla prospettiva di fare un lavoro che non rende economicamente. Ma come dici tu quello che a volta vedo mancare è la voglia di lottare. Ai miei allievi chiedo sempre “Chi di voi vuole fare l’attore o l’attrice professionista?” Quando mi sento rispondere “io credo di si” rispondo sempre “questa è una domanda a cui puoi rispondere solo SI o NO, non esistono vie di mezzo. Se la tua risposta è ‘credo di si’ per me è un NO” Perché se vuoi fare questa strada, come tu ben sai, devi fare una scelta e portarla in fondo nonostante le difficoltà. E sono quasi sempre solo difficoltà. La mentalità è “ma perché mi devo rompere il cazzo?” è figlia di questi tempi dove tutto è già pronto, è già servito. Troppo severo?

Non porta soldi, non porta fama… perché farlo allora?

Per ognuno è diversa. Posso dirti quali erano le mie di motivazioni. Ho lavorato per 7 anni come programmatore informatico in diverse aziende e tutte le mattine mi alzavo maledicendo il creato. Non volevo più svegliarmi arrabbiato la mattina. Da quando faccio l’attore che è ciò che ho scelto di fare e che mi piace (ma poteva essere anche l’imbianchino o lo spazzino) mi sveglio e non vedo l’ora di progettare, creare, fare. Odio i giorni festivi. Del resto fare arte è un lavoro full time senza giorni liberi.

Andrea Ibba Monni

Teatro ai tempi di Coronavirus: Artisti Fuori Posto | Cagliari ...

Gli Artisti Fuori Posto

da sinistra: Filippo Salaris, Alessandro Pani, Piero Murenu, Francesca Saba, Sergio Cugusi

Le voci degli allievi: Cristina Cera

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Cristina Cera sei indubbiamente un personaggio di spicco della scuola “Il mestiere dell’attore” di Ferai Teatro. Dicci qualcosa di te e sul perché fai teatro.

Sono una persona innamorata della vita: per questo ho scelto dopo un anno di liceo di iscrivermi in una facoltà umanistica. Sono amante della lettura, dell’arte e della storia Ho 24 anni e cerco la mia indipendenza economica, come tanti. Sono una persona che ha dovuto battagliare contro umiliazioni ricevute ai tempi del liceo e ho una travagliata vita famigliare dopo la separazione dei miei quando avevo nove anni.

qual è il ruolo che il teatro ha nella tua vita di tutti i giorni e viceversa?

Il teatro mi ha salvato la vita! Perché ha fatto conoscere la mia voce che per tanti anni non ho avuto il coraggio far sentire. Il lavoro del laboratorio è stato inizialmente scoraggiante ma dopo un duro ma piacevole lavoro ho scoperto delle qualità che non ero conscia di possedere.

Fare teatro perché?

Perché il teatro, come un Saggio Maestro, è un aureo strumento che insegna ad affrontare appieno la vita, offrendo la possibilità di compiere un viaggio interiore dentro di noi per conoscerci meglio al fine di migliorarci, crescere ma soprattutto amarci per come siamo. Nella nostra imperfezione e nella nostra fragilità siamo degli esseri meravigliosi!

Quale esperienza finora più importante con Ferai

Senza ombra di dubbio l’ultima in “Wonderful Oz” poiché non solo è stata una vittoria circa la raggiunta consapevolezza delle mie sempre dubitate capacità, ma soprattutto per l’ amore e il sostegno sincero che ho ricevuto dalla mia grande squadra, la classe Odeon di cui faccio parte.

N.B.O

Le voci di Ferai: Roberta Mossa (di Ilenia Cugis)

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Intervisterò oggi, per voi, Roberta Mossa. Attrice di Ferai Teatro, ha performato durante “H168” ed è stata una delle due protagoniste dell’ultima edizione de “I Monologhi della Vagina”. Roberta non è una gran espansiva, a freddo, ma basta toccare le corde giuste e scoprirete, insieme a me, quanto diventi chiacchierona! Intanto, se non la conoscete, di lei posso dirvi che l’ho vista mangiare una rapa rossa in scena, mentre il succo della rapa le colava lungo il braccio in maniera estremamente sensuale. Alcune volte ho pensato che Roberta fosse troppo bona per fare teatro (mi distraggo a guardarla!), d’altra parte la trovo invece così brava che sarebbe proprio un peccato non lo facesse. Se l’avete conosciuta durante gli Open Mic nei panni di Suor Michelina (foto), capite cosa intendo. Ok, era una pessima battuta. Beh, che dire, buona lettura!

 

Ciao, Roberta! Innanzitutto grazie per aver accettato di passare dalla parte dell’intervistatore a quella dell’intervistato! Come al solito ti chiedo di parlarci un po’ di te, presentati ai nostri lettori.

Ciao Ile, grazie a te per l’intervista! Allora, questa è la parte più difficile. Ho 28 anni, sono nata e cresciuta a Cagliari, sono laureata in Giurisprudenza, il futuro è un po’ incerto soprattutto dopo che è scoppiata una pandemia globale, un po’ come tutti, credo. Vorrei trovare un lavoro che mi permetta di conciliare la passione per l’arte e nello specifico il teatro con quello che ho studiato per anni, ci sto lavorando diciamo!

Come ti sei avvicinata al mondo dell’arte e poi, nello specifico, al teatro?

Praticamente da subito. Da bambina disegnavo ovunque, quaderni, album, libri e persino sui muri, scrivevo storie e volevo diventare una scrittrice. Volevo pubblicare il primo libro a 9 anni ma il tempo passava e non riuscivo a finire il romanzo… Vorrei ritrovarlo, chissà che avevo scritto! Poi c’è stata l’adolescenza di mezzo e mi sono persa un po’. Ho abbandonato le “ambizioni” artistiche, anche se ho fatto il Conservatorio, ma è un po’ come se anziché sviluppare le attitudini artistiche mi avesse abituato al pensiero strettamente logico e ho perso completamente la creatività. Per la cronaca, ero una violoncellista che in realtà voleva essere violinista… Poi quando avevo 22 anni ho sentito parlare di Ferai. Stavo pensando da un po’ di tempo che mi sarebbe piaciuto provare a fare teatro, ero molto timida e sarebbe stata una bella sfida. Quindi ho convinto la mia migliore amica Ilaria a provare il corso di Ferai e ci siamo ritrovate ogni martedì e giovedì in via Ada Negri, e da quel momento non ho più smesso.

Ci dici che avevi 22 anni… quindi correva l’anno…?

2013/2014, l’esito scenico era “Goethe – Faust”

Il Faust, andato in scena al teatro La Vetreria, vero? Me lo ricordo molto bene, ero tra il pubblico!

Sì, ricordi bene!

Ci racconti le tre cose più difficili che hai dovuto superare a teatro?

Innanzitutto la paura del giudizio, l’onnipresente giudizio che ti blocca e ti fa avere sempre paura di sbagliare. E non solo il giudizio degli altri, proprio il tuo. Liberarsi dall’ansia di categorizzare tutto quello che fai in giusto o sbagliato, bene, male, mediocre, così così… Che poi associ anche a te stesso queste categorie, cioè se sbagli o se fai male una cosa vuol dire che sei tu incapace e che non vali abbastanza. E invece il vero errore è non fare niente per paura. Andrea e Ga’ mi dicevano sempre che “l’unico errore è non fare” quando all’inizio non volevo fare le cose, tipo “oggi guardo e basta così capisco”, “no, questa cosa non me la sento di farla” e così via. Bene, hai sbagliato e sei ancora vivo, visto? Cioè dovrebbe essere una cosa scontata, ma per me non lo era affatto in quel periodo. Poi la paura di stare al centro della scena, mi nascondevo sempre un po’. Questo per “Habeas Corpus” soprattutto, avevo un personaggio, Anna, che era una super diva, la odiavo moltissimo! (uno degli spettacoli in cui Roberta era così bella da distrarmi, ndr) Si trattava praticamente di mettere da parte me stessa e lasciar agire il personaggio. E poi ultimamente sto cercando di prestare attenzione ai dettagli, niente approssimazione, ma precisione in tutto, soprattutto nei movimenti in scena.

All’inizio, quando ti sei presentata, ci hai raccontato che da bambina sognavi di fare la scrittrice. Ora vorrei chiederti se la passione per la scrittura ti è rimasta e se il teatro in qualche modo ti dà la libertà di continuare a coltivare anche quel “vecchio” sogno.

Sento che non è ancora il momento per scrivere qualcosa di totalmente mio, non so esattamente perché. Però sarebbe bellissimo scrivere un copione. Per ora abbiamo iniziato un esperimento di scrittura collettiva con lo staff di Ferai, finora è stato molto interessante.

Di cosa si tratta questo esperimento di “scrittura collettiva”? Come hai avuto l’idea?

Nasce per caso da una chiacchierata con un amico, eravamo in Marina e stavamo parlando di cosa fare “da grandi” e ci siamo resi conto di trovarci in una situazione molto simile, quella di andare avanti senza sapere bene dove e perché. Quindi ci siamo chiesti se fosse davvero un problema solo nostro, e abbiamo iniziato a dire “anche Tizio ha questo problema, anche Caia in realtà, solo che lei se la vive bene, pensa che la flessibilità sia un’opportunità” e così via, nel senso, secondo noi è una situazione abbastanza comune. E pensandoci ancora meglio, dopo, non è solo precarietà lavorativa, è precarietà su tutti i fronti, emotiva, relazionale, ognuno a suo modo, quindi esistenziale dovrebbe essere la definizione giusta. Se il teatro in qualche modo deve essere attuale, contemporaneo, beh potrebbe raccontare questa condizione, questo senso di smarrimento, dell’impossibilità di controllare tutto e dell’imprevedibilità della vita. E siccome risentiamo molto della mancanza di una comunità, nel senso che devi sempre cavartela da solo a prescindere dagli strumenti a disposizione, viviamo nel mito dell’auto-realizzazione, dell’esaltazione dell’ego ecc ecc, ho pensato che sarebbe stato bello che questo copione lo scrivessimo in gruppo. È bello anche investire le proprie energie in qualcosa che appartenga a tutti e non a me stessa e basta, credere negli altri oltre che in se stessi.

Così, in sei, abbiamo avviato una fase di ricerca libera da condividere con gli altri. Se uno di noi trovava un film interessante sul tema lo consigliava a tutti, stesso discorso per libri, opere d’arte visive, articoli di giornale, qualsiasi cosa. In particolare ci siamo concentrati su interviste a persone che secondo noi avevano una storia interessante, perché volevamo prendere spunto dalla realtà, soprattutto in casi particolari, per esempio abbiamo deciso di affrontare il problema della precarietà nelle disabilità, non volevamo una rappresentazione edulcorata del disabile ma un ritratto psicologico vero per creare un personaggio, non un cliché. Quindi abbiamo raccolto tutto il materiale, lo abbiamo letto e ci siamo fatti una nostra idea dello spettacolo e dei personaggi. E poi, brainstorming per capire cosa scrivere: cioè la trama e le singole scene dello spettacolo. La storia che abbiamo creato è completamente diversa rispetto a quella che immaginavo all’inizio e sono stata molto felice di questo! E infine ci siamo affidati ognuno una scena da scrivere, alcune a due mani. Ora sto rivedendo il copione, sto tagliando e sintetizzando, questo lavoro deve farlo una sola persona perché è più pratico. Tutto ci sto tagliando! Che bello!

Rido. Non vedo l’ora di scoprire il risultato!

Devo dire che per fortuna nel gruppo c’era chi aveva già esperienza nel scrivere copioni in 3/4 persone, altrimenti sarebbe stato più complicato! Siamo quasi alla conclusione, te lo prometto. Adesso, Roberta, ci descriveresti la tua esperienza in “H168” usando solo 12 parole?

“H168”! Follia, intensità, fiducia, empatia, rischio, ansia, follia al quadrato, scala rot… Ehm. Euforia, tristezza, paranoia, silenzio, intimità, concentrazione.

Grazie mille Roberta, è stata una chiacchierata molto interessante! Prima di congedarci, un’ultima domanda: Se la tua vagina potesse parlare, cosa direbbe?

Ride. Questa non me l’aspettavo! La mia vagina è una tipa che ha idee progressiste ma sogna il principe azzurro, dice che spera che tutte le vagine del mondo siano felici e che godano sempre moltissimo, anzi è anche un po’ ingenua e si è candidata a “Miss Italia delle Vagine” e dice che il suo sogno è la pace nel mondo, e si augura che le ragazze smettano di fingere gli orgasmi per compiacere i partner e che inizino a conoscersi meglio quindi a masturbarsi senza vergogna e a provare piacere quando, come e con chi vogliono! Direbbe di seguire i propri istinti e ascoltare le vagine che hanno sempre ragione! Che poi… anche se si è candidata per Miss Italia, non vuole lo stesso farsi vedere in pubblico!

Una vagina che quando vuole sa essere una gran chiacchierona, come la nostra Roberta!

Ilenia Cugis

Le voci degli artisti: Sergio Piano (di Ga’)

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Sergio Piano è da tantissimi anni professionista del teatro, co-fondatore dello storico teatro “Alkestis” e fondatore del Teatro “Intrepidi Monelli” primo spazio teatrale a sorgere a Sant’Avendrace. Ma tra i sogni del regista non c’era solo quello di poter inaugurare un teatro nel proprio quartiere di nascita, ma anche tanti altri progetti, tante strade che attraversano i diversi generi teatrali, le diverse esperienze del passato, dal teatro di ricerca degli anni 70’ ai laboratori di formazione fino all’organizzazione di festival comici e brillanti; tra tutte queste strade, un punto fermo: mai arrendersi, perché il teatro è vivo e alla portata di chiunque.

Come va Sergio? Grazie per aver accettato l’intervista. Chiacchieriamo un po’ sul teatro che è un argomento sempre buono. Visto che a livello di pratica possiamo fare poco per ora, possiamo soffermarci su qualche riflessione in più, tu e il tuo Teatro “Intrepidi Monelli” come state affrontando questo periodo di sospensione delle attività?

Sospensione, è realmente, sì, un periodo di sospensione. Lo spazio degli Intrepidi aveva moltissime attività e due nostre produzioni in corso di preparazione, ora è tutto fermo. Ma non sono spaventato, al di là delle difficoltà economiche (e tante altre naturalmente) in questi giorni “di sospensione” la testa è andata indietro nel passato, è sorta una voglia di recuperare determinati studi, i miei inizi a teatro, ma anche ridare nuova vita a vecchi progetti.

Quando parli del passato, parli di ciò che c’è stato prima degli Intrepidi Monelli, del teatro di ricerca, la storia del teatro del novecento, da Jerzy Grotowski in poi.

Esattamente, Grotowski, ma anche tutto il contesto, la ricerca fatta muovendosi, a volte isolandosi, studiando sul posto, studiando il teatro dei riti, dei primi rituali, poi i dervisci, e ancora Yoshi Oida, Zygmunt Molik, Ryszard Cieslak. C’è il forte desiderio di riprendere quei materiali.

E questo teatro di ricerca che affonda le radici in un tempo così lontano, oggi è praticabile, fattibile, in che modo? So che hai visto il nostro “RAPSODIA:ORIGINS” che traeva spunto da quel tipo di ricerche rituali, quindi sai bene che la domanda non è per niente disinteressata.

Sì, “RAPSODIA:ORIGINS” l’ho visto, sai bene quindi anche tu che è il teatro di ricerca è realizzabile sempre e sono dell’idea che le cose si evolvono. La ricerca non smette di esistere nel Novecento, ce la portiamo dietro e in qualche modo si evolve perché è diversa la vita oggi ma ripeto, lo sai bene, c’è quella fame, quell’esigenza, quella necessità.

Lo so, infatti “chiedevo per un amico” nel senso: una volta ogni tre mesi più o meno, qualcuno si sveglia e grida questo parere non richiesto “la ricerca teatrale è morta, inutile, non attuabile” e che anche “i grandi Maestri sono morti, non esistono più, quindi tutto è perduto, non esiste più il vero teatro e chi può insegnarlo!”

Ma i grandi Maestri in realtà ci sono, esistono, vanno conosciuti, vanno cercati se non hai la fortuna che ti capitano davanti. Soprattutto l’attore deve studiare sempre, approfondire con sé stesso: un attore che non ha fatto i suoi studi, che non li ha scelti, che non si è formato, in scena lo vedi, lo capisci subito.

Quindi il teatro è vivo e anche chi lo insegna, possiamo tranquillizzare gli scettici.

Ti racconto un aneddoto. Molti anni fa Pierfranco Zappareddu aveva organizzato un laboratorio tenuto da Ryszard Cieslak, l’attore di Grotowski. Eravamo una trentina di allievi, ma tra me e Ryszard ci fu subito un rapporto molto diretto, una grande intesa, verso la fine del percorso mi chiese se volevo seguire io da insegnante un laboratorio all’estero. Io però avevo davvero degli impedimenti gravosi e l’impossibilità di partire, insomma, uno dei miei compagni di quel laboratorio non poteva credere che fossi costretto a rifiutare così. A volte nelle esperienze teatrali capita questo: passa un treno e non puoi prenderlo oppure ti trovi davanti a un grande Maestro, ma in quel momento non ti accorgi o c’è molto altro. Ma se vai a cercare, la tua formazione la trovi, io ho lavorato tanti anni con Claudio Morganti, tuttora vivente, in anni mi ha dato moltissimo, torniamo sempre a questo: che l’attore deve fare un percorso personale molto forte, con molta pazienza, con molta dedizione, senza voler arrivare dal nulla al “tutto e subito.”

Quando ti occupi di una nuova produzione, che caratteristica ha l’attore che ti rimane nel cuore, cosa è in grado di materializzare per te regista, sulla scena?

Tra le tante persone con cui ho lavorato, attori, allievi, devo dire che sono rimasti tutti nel cuore per qualche motivo. Quello che posso dirti è che ti rimane l’attore formato, quello che sa vivere la sua tecnica in scena, che sa farti vivere delle emozioni nel momento, questo non significa per forza l’attore con la dizione perfetta come si è soliti credere o l’attore che scimmiotta quel modo di parlare artefatto: quella è una cosa che non mi è mai interessata e anzi spesso mi annoia, deve esserci dell’altro.

Cosa farai “dopo” ? Dopo tutti questi anni, dopo la fondazione, sei anni fa, degli Intrepidi Monelli, dopo tanto lavoro, c’è un progetto, “lo spettacolo della vita” qualcosa che vuoi realizzare perché senti che ti manca.

C’è. Si tratta di uno studio che in parte ho già affrontato in passato ma non l’ho mai concretizzato, un lavoro sul “Don Chisciotte” di Cervantes, non ti so nemmeno dire, non mi metto nemmeno io il limite, se lo affronterei come teatro di ricerca, come un’attività contaminata o qualcosa di più brillante, forse anche un insieme di tutte queste cose, per quanto può sembrare enorme, ampio o presuntuoso.

Come mai tra tanti materiali proprio il “Don Chisciotte”?

“Don Chisciotte” perché è molto attuale nel parlarci della Lotta. Una lotta contro i mulini a vento che per noi, nella nostra professione artistica è tutto ed è tutto ciò che c’è da raccontare. Un racconto di avversità. Potrei nominarne moltissime avversità, ma il nocciolo, quella principale è che quando vai a fare questo lavoro, la professione del teatro, non puoi avere una vita normale, le rinunce sono tante, rinunci anche agli affetti, ai rapporti che chiunque in un’altra professione darebbe scontati. Al tempo stesso le persone con cui collabori, gli allievi, i maestri, tutti, in qualche modo diventano una famiglia, però sei sempre in lotta, contro qualcosa che non si può sconfiggere, ma non è importante, perché l’importante è solo il lottare.

Quindi abbiamo questo frammento del futuro, le produzioni con gli Intrepidi Monelli e in qualche modo, prima o poi “Don Chisciotte”… Produrrai o dirigerai qualcos’altro?

Ultimamente, soprattutto negli ultimi due anni ho preferito fare un po’ di spazio agli altri, una cosa che non è facile nel nostro settore, perché vedi sempre l’ego delle persone che emerge, ma io sono sempre stato un po’ così e negli ultimi due anni in particolare mi sono reso conto che se non si sta troppo concentrati solo su se stessi, ma si allarga l’orizzonte, si invitano compagnie, si guarda come gli altri lavorano, come fanno laboratorio, se si fanno collaborazioni, in questo modo si viene a conoscenza di cose che non si sarebbero mai immaginate, mi ha arricchito moltissimo vedere gli altri lavorare ed è giusto riuscire a lasciare spazio anche agli altri.

Collaborare porta anche ad attirare più pubblico, far conoscere realtà diverse che s’incontrano, come è andata da questo punto di vista?

Il pubblico ha reagito bene, piacciono le attività e le diverse cose che proponiamo, ma la cosa che da più soddisfazione è che ci sia il modo di far conoscere il teatro al pubblico, perché ancora oggi molti arrivano a vederlo per la prima volta. Da quando abbiamo aperto lo spazio, più di una volta mi è successo che una persona, l’ultima volta per esempio una signora “Ma quindi il teatro è così? Il teatro è questo” “Si signora, il teatro è questo.” C’è molta disinformazione su cosa succeda in uno spettacolo, ma quando si va a teatro, se gli attori in scena sono preparati, non si può non restare innamorati.

Ga’

Le voci di Ferai: Raffaella Ruiu (di Roberta Mossa)

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Ciao Raffaella, piccola introduzione: chi sei, di cosa ti occupi, insomma come ti presenteresti ai nostri lettori?

Ho sempre avuto un po’ di difficoltà con le presentazioni, mi sembra di dover per forza mettere un’etichetta e fissare dei paletti su chi sono. In ogni caso ci provo.

La presentazione è sempre la parte più difficile!

Mi chiamo Raffaella, ho festeggiato i miei 39 anni in lockdown ma ho la fortuna di avere persone speciali nella mia vita che lo hanno reso comunque bello. Sono socia fondatrice e lavoro per l’Associazione Codice Segreto Onlus che si occupa di attività artistiche, ricreative e di stimolo per l’autonomia individuale per giovani e meno giovani con disabilità intellettiva. Codice Segreto è la mia seconda famiglia, il mio porto sicuro, una delle cose fondamentali della mia vita. Sono curiosa, testarda, affidabile, puntigliosa e rompiscatole.

Una mia curiosità Raffaella: come e perché sei arrivata a Codice Segreto?

Codice Segreto nasce ufficialmente nel 2010 dalla volontà di un gruppo di amici, che facevano parte di un’associazione culturale che si occupava teatro amatoriale, di creare qualcosa di proprio e condividere la loro passione per il palcoscenico. Ufficiosamente nasce molto prima, nel 2008 quando alcuni di quegli amici hanno vissuto settimana intensa di volontariato durante una manifestazione sportiva con atleti diversamente abili. Quella settimana ha lasciato un segno importante nell’animo di tutti e da lì è stato più che naturale che le strade si intrecciassero fino a diventare un’unica realtà.

Quindi si può dire che la fondazione di Codice e la passione per il teatro sono andati – quasi – di pari passo?

Diciamo che prima che Codice nascesse il teatro faceva già parte della mia vita, in maniera differente. Quello che accomuna queste realtà all’interno della mia vita è sicuramente la voglia di fare sempre qualcosa di nuovo, di salire un altro gradino. Con tutta l’ansia, la paura e i pensieri che questo comporta nella mia mente fin troppo sincronizzata con la routine quotidiana. La novità è fonte di effervescenza, ma anche di preoccupazione, sempre.

La cosa più bella del tuo lavoro?

Credo la certezza di sapere che avrò sempre qualcuno accanto, nei momenti felici, come in quelli tristi, nelle scelte e nei tentennamenti. E gli sguardi, quegli occhi che ti scandagliano dentro in venti secondi senza darti il tempo di nascondere niente. E gli abbracci, quelli che ora mi mancano.

Ecco, come ve la siete cavata col lockdown? I ragazzi l’hanno vissuta bene, siete riusciti a continuare le attività?

È stato un po’ difficoltoso. Alcune attività si sono necessariamente dovute interrompere perché comportano le necessità di una presenza fisica, altre sono continuate con i metodi telematici a disposizione: ci sono state e ci sono attività didattiche, attività di supporto e di ascolto, videochiamate multiple e infinite, dirette facebook, messaggi… insomma, tutto ciò che può servire perché i progressi ottenuti durante tutto l’anno non vadano persi e per continuare ad essere presenti nonostante la lontananza fisica forzata.

E invece riguardo il teatro qual è lo spettacolo di Ferai che hai amato di più? Io personalmente ho adorato Ada in “Maria Gratia Plena” e anche in “Libera nos a malo” ma scommetto che è stato anche il tuo preferito!

Ada Lobina è certamente un personaggio che, una volta incontrato, ti rimane attaccato addosso, si ruba un pezzetto della tua anima, quindi si, posso dire che “Maria Gratia Plena” e “Libera nos a malo” siano gli spettacoli a cui sono più legata. Però c’è un altro spettacolo a cui sono particolarmente legata, “Silvery Fox”, per la libertà assoluta con cui l’ho vissuto e per tutti i rimandi che si è portato dietro e che ritornano, sempre.

Hai affrontato l’esperienza di fare la regia de “La Passione che ha salvato il mondo”. Com’è stato? Cosa consiglieresti a chi decide per la prima volta di fare la regia di uno spettacolo?

Una regia è sicuramente impegnativa e mette in campo energie e metodologie totalmente diverse da quelle che si utilizzano da “semplice” attore. Devi trasformare tutte le immagini, le sensazioni, gli odori, i movimenti che hai nella tua testa in qualcosa che possa suscitare le stesse emozioni in chi guarda. L’unico consiglio che mi sento di dare è quello di buttarsi, di non aver paura di tentare e poi correggere di prova in prova le intuizioni avute, in base a ciò che si crea quando le diverse anime che lavoreranno a quello spettacolo si incontrano. Inizialmente ero spaventata all’idea, ma poi piano piano tutto si è sciolto, anche grazie agli splendidi colleghi con cui ho avuto la fortuna di lavorare.

Hai in programma di scrivere qualcosa di tuo?

Scrivere mi è sempre piaciuto. Per il momento ti dico di no, ma in futuro, chissà…

Roberta Mossa 

Le voci degli allievi: Jessica Mostallino

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Jessica Mostallino in una foto durante le prove di “Passioni a Villanova 3”

Ciao Jessica, ti ho conosciuta Assessore alla Cultura del Comune di Assemini e ritrovata mia allieva nella Classe Kammerspiele, ma come ti presento a chi non ti conosce ancora?

Non ho mai saputo bene cosa rispondere a questa domanda, perché0 non sono molto capace a descrivermi: ho sempre paura di peccare di immodestia mentre la realtà è che crescendo ho imparato ad avere maggiore autostima.


È per questo che fai teatro?

Faccio teatro perché ho sempre avuto il “sogno” di recitare, mi sarebbe anche piaciuto fosse la mia professione ma non ci ho creduto abbastanza.

Qual è il rapporto tra cultura e politica?

Ho sempre pensato che ognuno porta ciò che è in quel che fa, nel suo mestiere e nel caso della politica anche: se fai parte di un esecutivo e hai quindi la possibilità di scegliere che cultura offrire al pubblico, le tue scelte sono fondamentali perché con queste permetti alle persone di conoscere, approfondire un aspetto piuttosto che un altro. È una grande responsabilità: sei tu a decidere letture, spettacoli e film, inevitabilmente il tuo gusto, la tua formazione e le tue conoscenze si rispecchieranno in queste scelte.

La politica è fare delle scelte, credo che per fare delle scelte consapevoli, eque, per capire le alternative tra le varie scelte, le conseguenze di quelle scelte non si possa prescindere dalla cultura. Ovviamente non si può parlare di cultura senza teatro.

Certe scelte sono anche un termometro che ti consentono di capire “chi hai davanti”. A tal proposito ricordo l’occasione che mi permise di conoscere Ferai, fu quella volta nella quale venni a vedere “I monologhi della vagina” nel piccolo teatro off che avevate a Pirri: lo spettacolo mi piacque talmente che pensai di volerlo condividere con i miei concittadini. Non sapevo se Assemini fosse pronta per la rappresentazione teatrale con quel titolo ma fui felice di vedere che sì, era pronta.

Da qualche anno sei dei nostri, sul palco e non più solo tra il pubblico: quale personaggio finora interpretato ti ha dato di più?

Britany Sarritzu che ho recitato nella terza puntata di “Passioni a Villanova 3”: brillante, piena di sé, prepotente e un po’ strega che in combutta con la sua sorellastra si divertiva a vessare Lucy Denotti. Mi è piaciuto molto interpretarlo, è il personaggio che più mi è piaciuto e forse, anche se non sono io a doverlo dire, quello la cui interpretazione mi è venuta meglio.

Lasciatelo dire da noi allora: sei stata bravissima anche perché Brittany Sarritzu non ti somiglia per niente!

N.B.O.

La mia Ferai – quinta parte (di Andrea Ibba Monni)

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È il 2015 quando un gruppetto di ragazz* dell’Università di Cagliari ci propone una collaborazione per la loro neonata associazione che si chiama UnicaLGBT. Nascono progetti di laboratori gratuiti trimestrali per gli associati e esperienze di teatro per i Diritti Civili, sono anni meravigliosi di progetti entusiasmanti che vedono coinvolto un numero sempre crescente di partecipanti: “Basta che succeda: Teatro per sentinelle in piedi, vedette sedute e guardiani sdraiati” è il primo progetto; nel 2016 è la volta di “Le avventure di Finocchio” dall’opera di Carlo Collodi; seguirà “Niente e così sia” del 2017 e “Quel giorno sulla Luna” del 2018.

Sono anni in cui lavoro e vita si mescolano come non mai, anni in cui raccogliamo testimonianze crude, qualche lacrime, vari coming out e tantissime risate, abbiamo conosciuto tanti amori e purtroppo anche la morte (quella di Simone che ho ricordato qui).

In questi anni ricchi di emozioni sono arrivat* tre dei membri dello staff di Ferai Teatro: Simone, Claudia e Davide, tutt* e tre per il progetto “Le avventure di Finocchio”.

Simone Cogoni, classe 1994, inizia l’esperienza teatrale proprio con Ferai, spinto dal desiderio di mettersi in gioco. All’interno dello staff è attore e performer e si sta formando in altri ambiti. Vede il teatro come l’arte che più di tutte consente l’esplorazione, l’approfondimento e la condivisione delle emozioni, e spera che in futuro possa svilupparsi verso una commistione sempre più ampia tra i diversi linguaggi artistici, oltre che in uno spazio più cosciente, più personale, anche oltre il limite tradizionale del palcoscenico. Ha partecipato come professionista a “La Passione che ha salvato il mondo” e  “RAPSODIA:STAMINA” 

Claudia Congiu nasce a Cagliari nel 1993. Il teatro per lei è una passione, un hobby, una valvola di sfogo, un mezzo dinamico, efficace e diretto per trasmettere un messaggio. Ha frequentato diversi laboratori scolastici prima di arrivare a Ferai Teatro. Attrice e membro dello staff informatico, attualmente si prepara per i nuovi progetti. Vorrebbe che il teatro fosse un mezzo “didattico” ossia che servisse per imparare in maniera meno noiosa e più diretta. Nel suo curriculum da professionista la partecipazione a “Fuorisede: un Natale Fuori!” e  “RAPSODIA:STAMINA” 

Davide Sitzia nasce nel 1994 e si avvicina al mondo del teatro con Ferai per iniziare a dare sfogo a quello che dentro di lui è sempre stato un forte desiderio: recitare. Per lui il teatro è la condivisione in forma artistica di una vita interiore e spirituale in grado di emozionare ed arricchire le persone. Nel suo curriculum da professionista la partecipazione a “Fuorisede: un Natale Fuori!” e  “RAPSODIA:STAMINA” 

Le voci di Ferai: Giulia Maoddi

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  1. L’intervista di oggi ha per protagonista Giulia Maoddi, attrice, performer e burocrate di Ferai Teatro. Giulia è la mia partner in crime dal 2012, l’ho conosciuta proprio grazie a Ferai e da allora è diventata una delle persone più importanti della mia vita. Giulia è di poche parole, tra poco leggerete la auto-presentazione più breve della storia (mezza riga). Una volta io e lei siamo state in radio per un’intervista su un nostro progetto e lei è diventata un pezzo di legno, non ha spiccicato parola se non per dire ripetutamente che eravamo “due incoscienti”, ridendo. Quindi, ecco a voi: Giulia Maoddi! Continue reading Le voci di Ferai: Giulia Maoddi →

Le voci degli allievi: Matteo Genco

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Il progetto “Senilia” di Ferai Teatro nasce nel lontano 2012 come luogo di aggregazione e confronto tra over 60 che vogliono stare tra di loro a imparare e mettersi in gioco nel campo della recitazione teatrale. Tenuto a battesimo da Ga’ e Andrea Ibba Monni, il progetto viene ripreso nel 2019 e affidato a Francesca Cabiddu che con la supervisione e la direzione artistica di Ferai, firma i progetti “Santa Trofimena”, “Pinocchio” e “Il viale dei ciliegi”. Tra i vari partecipanti alla classe della terza età, Matteo Genco a cui abbiamo ricolto qualche domanda (segue dopo la foto)

Matteo, cosa possiamo dire di te per presentarti?

Ho 65 anni ed un carattere estroverso ed espansivo, sono una persona solare e con il sorriso sempre pronto a fare nuove esperienze e amicizie.

Teatro perché?

Sin da piccolo volevo fare del teatro ma per vari motivi non ho mai avuto l’opportunità di frequentare una scuola di teatro. Quando mia cognata mi ha invitato a partecipare al corso “Senilia” di Ferai Teatro mi è sembrato di poter realizzare il mio sogno ed ho accettato con tanto entusiasmo.

Un entusiasmo contagioso! Quanto influisce l’età sulla recitazione a tuo parere?

Per me l’età anagrafica non è rilevante in quanto ritengo che si possa fare teatro a qualunque età.

E condividi questa esperienza con moglie e cognata…

È una bella esperienza che tutti noi condividiamo piacevolmente.

Lo spettacolo del cuore in cui hai recitato fino ad ora?

È stato quello della mia prima esperienza, la prima volta che ho calpestato le assi di un palcoscenico teatrale con la recita “Santa Trofimena” che mi ha permesso di realizzare quel sogno che avevo sin da bambino.

N.B.O.

Le voci degli allievi: Federica Pittau

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Federica Pittau sei un’artista neo diciottenne che tra le varie forme d’arte esplora anche la recitazione dal momento che frequenti la classe Odeon di Ferai Teatro. Ma tu come ti descriveresti?

È una domanda difficilissima! Credo di essere tante cose, tante piccole essenze. Una cosa di cui sono pienamente consapevole è che sono estremamente sensibile ed empatica, cosa che mi aiuta molto nell’ambito artistico al quale da un anno a questa parte mi sono completamente dedicata.

Credo di essere combattiva, so ciò che voglio e sono disposta a tutto per raggiungerlo: non importa la difficoltà o la fatica, anzi, la soddisfazione sarà migliore, no? Ho sempre pensato che noi nasciamo per poter creare sogni, coltivarli, lottare, raggiungerli e poi goderceli. Ho imparato che la mia felicità sta nelle piccole cose, come può essere un momento passato con le persone che amo di più o anche solo vedere un loro sorriso sincero; mi godo i piccoli ma spensierati momenti, i piccoli traguardi o semplicemente tre minuti della mia canzone preferita. Sono uno spirito libero, amo infrangere gli standard o la “normalità”, amo la ribellione sana, amo la rottura degli schemi, amo abbattere giudizi e pregiudizi e amo combattere per la libertà mia e altrui.

Perché fai teatro?

È da tempi “immemori” che ho un’attrazione sproporzionata verso la recitazione, da qui il mio primo musical serio a 9 anni nel quale interpretato il piccolo Michael Banks di Mary Poppins. Ho sempre guardato i film in modo diverso dalle altre persone, oltre l’immagine, studiando fin da subito le movenze, le mimiche facciali e la grandezza degli attori. L’amore verso il teatro in particolare poi è sbocciato proprio durante la mia fase acuta adolescenziale, quando frequentavo le medie. Ho avuto la fortuna di avere un’insegnante d’Italiano straordinaria, tutt’ora uno dei miei idoli indiscussi, amante anche lei di questo mondo speciale che è riuscita a trasmettermi e a far crescere dentro di me questa passione. Grazie a lei sono entrata nel mondo del palcoscenico, ho visto tanti spettacoli e guardato e sentito tanti attori che mi hanno stregata, portandomi a pensare “un giorno vorrei essere così!”.

Cos’è per te il teatro?

Faccio teatro perché amo il teatro e amo fare teatro in tutte le sue sfumature: cambiare e diventare qualcun altro rappresenta tantissime sfide (perché non è mai semplice interpretare, inventare o reinventare personaggi molte volte completamente differenti da te e con diversa situazione). Il palcoscenico poi è un mondo a parte distaccato dal nostro quotidiano, una dimensione dove la vita è eterna, dove i personaggi nascono, vivono e muoiono in continuazione, dove anche la più piccola cosa assume un significato esponenziale. Ora come ora sto studiando sodo, cerco ogni giorno di affrontare e sconfiggere le mie difficoltà perché vorrei portare questa passione oltre una passione stessa, realizzare il mio sogno più grande in assoluto ossia diventare abbastanza brava da poter trasformare tutto questo in lavoro.

Per me il teatro è vita: ho trovato lì la mia stabilità e gran parte della mia felicità e soddisfazione. È il mio posto felice, il mio luogo sicuro, la mia seconda casa. Ho trovato persone con le mie stesse passioni, amici veri, anime diverse tra loro, tante storie, amore, supporto e un’altra famiglia. Con il teatro riesco a dare sfogo al mio essere, trasmettere le mie emozioni, dare parte del mio spirito e riceverne altrettanto

Vai a teatro?

Sì, ci vado un po’ per lo stesso motivo per cui lo faccio. Sotto un punto di vista tecnico “sfrutto” gli spettacoli altrui per imparare sempre cose nuove, vari metodi di comunicazione e trasmissione, apprendere i diversi stili o conoscere altre circostanze; dall’altra vado per catapultarmi in altri luoghi, realtà parallele alla mia, perché la vita sul palco è vera, al di là dell’attore e della scenografia, ci sono personaggi e mondi reali. Nel mondo dello spettacolo poi molto spesso i limiti non esistono, c’è più libertà, più sentimento, più poesia, è tutto più profondo e spesso umano. E poi è un mondo così profondo e vivo che ogni volta è un “innamorarmi nuovamente” del teatro.

Qual è l’esperienza finora più importante con Ferai Teatro?

Anche questa è una domanda ardua perché ci sono stati moltissimi momenti vissuti con Ferai che mi hanno segnata e che mi porterò dentro per tutta la vita. L’esperienza più bella in assoluto però è stato il palco e credo continuerà ad essere tale: l’adrenalina, l’amore e l’attenzione del pubblico che è venuto lì proprio per vedere lo spettacolo a cui partecipi, la trasformazione da te al tuo personaggio, l’unione e la solidarietà, la felicità e il sostegno palpabili nell’aria, un po’ come anche la tensione prima dello spettacolo, tutto tra te e i tuoi compagni d’avventura, d’arte, i tuoi amici, coloro che diventano la tua seconda casa e famiglia, senza contare la festa, la tantissima nostalgia successiva la fine dello spettacolo e la grandissima soddisfazione dopo aver messo in scena frutto di tantissimo impegno, lavoro, sacrifici e ostacoli superati, una soddisfazione personale e collettiva. Sono sensazioni ed emozioni talmente grandi da non poterle descrivere pienamente, solo chi ha provato l’essenza di un’esperienza simile può, in parte, capire.

N.B.O.